Anison คืออะไร? ความแตกต่างระหว่าง OP, ED, เพลงประกอบ และประวัติศาสตร์

ตอนที่ดูตอนแรกครั้งแรก ผมถูกจับใจด้วยแค่ "ท่อนฮุกเปิดเพลง" ของ OP เพียงอย่างเดียว เมื่อรู้ว่า OP ของอนิเมะทางทีวีถูกออกแบบให้มีความยาวประมาณ 89 วินาทีตามธรรมเนียมในวงการ ก็เข้าใจเหตุผลว่าทำไมต้องอัดแน่นทุกอย่างในเวลาสั้นขนาดนั้น นอกจากนี้ anison ไม่ใช่ชื่อแนวดนตรี แต่เป็นชื่อเรียกรวมสำหรับเพลงธีม เพลงแทรก และ image song ที่ผูกพันกับอนิเมะ

บทความนี้เป็นบทเริ่มต้นสำหรับผู้ที่ต้องการจัดระเบียบความแตกต่างระหว่าง OP, ED, เพลงแทรก (insert song) และเพลงประกอบ (BGM/เพลงดนตรีฉาก) ให้ชัดเจน เราจะจัดระเบียบตำแหน่ง บทบาท และประวัติศาสตร์ใน 4 ยุค และเชื่อมโยงไปถึงคณะกรรมการผลิตและการกระจายต่างประเทศ เพื่อสาวหาเหตุผลว่าทำไมเพลงเหล่านี้จึงติดหูได้

OP ที่กลายเป็นหน้าตาของผลงานก่อนเนื้อหาหลัก, ED ที่จัดระเบียบความรู้สึกหลังเนื้อหาหลัก, เพลงแทรกที่พุ่งตรงสู่จุดสูงสุดของเรื่อง, เพลงประกอบที่รองรับบรรยากาศของฉาก เมื่อเห็นความแตกต่างเหล่านี้ คุณจะสามารถอธิบายได้ถึงความรู้สึกที่ ED พาจิตใจหยุดพักอย่างเงียบๆ หลังตอนสุดท้าย และความสนุกในการหาชมวิดีโอแบบ no-credit และซาวด์แทร็กก็จะขยายออกไปอย่างธรรมชาติ

Anison คืออะไร? | จัดระเบียบนิยามก่อน

เมื่อเข้าใจคำว่า anison ว่าไม่ใช่ ชื่อสไตล์ดนตรี แต่เป็นชื่อหมวดหมู่สำหรับเพลงที่ผูกพันกับผลงานอนิเมะ เรื่องราวก็จะชัดเจนขึ้นมากทีเดียว ไม่ว่าจะเป็นสไตล์ร็อก บัลลาด แดนซ์-ป็อป หรือแนวออร์เคสตร้า — ถ้าใช้สำหรับอนิเมะก็คือ anison

ตามนิยามนี้ ไม่ใช่แค่ OP และ ED เท่านั้นที่เป็น anison เพลงแทรกที่แทรกเข้าไปในจุดสูงสุดทางอารมณ์กลางเนื้อหาหลัก และ image song ที่ขยายโลกของผลงานออกไปก็อยู่ในกล่องใบใหญ่เดียวกัน เมื่อฟัง playlist อนิเมะในบริการสตรีมมิ่ง OP, ED, เพลงแทรกจะเล่นปนกันอย่างธรรมชาติ ฟังลำดับนั้นแล้วรู้สึกว่าคำนี้ถูกรวมด้วย "ความผูกพันกับผลงาน" มากกว่า "จุดร่วมทางดนตรี" ฟังดูกระจัดกระจายแต่ในฐานะหมวดหมู่ก็รวมเป็นหนึ่งเดียว ความรู้สึกนั้นใกล้เคียงกับสาระสำคัญของคำว่า anison มากที่สุด

อีกสิ่งที่อยากจัดระเบียบตรงนี้คือการจัดการเพลง tie-up มีคนที่เรียกว่า anison เฉพาะเพลงที่เขียนขึ้นใหม่ตั้งแต่ต้นสำหรับอนิเมะ แต่ในการสนทนาทั่วไป กรณีที่เพลง J-POP หรือเพลงของศิลปินที่มีอยู่แล้วถูกนำมาใช้เป็นเพลงธีมก็มักรวมเข้าใน anison ในความหมายกว้างด้วย ในความเป็นจริง ตั้งแต่ทศวรรษ 1980-90 ระยะห่างจาก J-POP ลดลง และเพลงธีมที่ฮิตนอกโลกอนิเมะก็เพิ่มขึ้น การเข้าใกล้กันนี้ไม่ใช่ข้อยกเว้นชั่วคราว แต่กลายเป็นกระแสที่ตั้งมั่นแล้ว

แน่นอนว่าเส้นแบ่งนี้มีช่องว่างในการตีความ แต่ในขั้นเริ่มต้น ไม่ควรตีความแคบเกินไปเพื่อหลีกเลี่ยงความสับสน เรียก anison อย่างกว้างสำหรับเพลงที่หมุนเวียนและถูกรับรู้โดยมีความผูกพันกับอนิเมะ — ความละเอียดระดับนี้เพียงพอสำหรับการเริ่มต้น (※หมายเหตุ: การที่ OP ของอนิเมะทางทีวีมีความยาวประมาณ 89 วินาทีเป็นธรรมเนียมของวงการ ไม่ใช่ข้อกำหนดทางกฎหมายหรือเทคนิคที่บังคับสำหรับสถานีทีวีทุกแห่ง อาจมีข้อยกเว้นตามผลงานและช่วงเวลาออกอากาศ)

จัดระเบียบความสัมพันธ์กับซาวด์แทร็ก (OST) และเพลงประกอบฉากสักครั้ง

ตรงนี้ขอจัดเรียงคำที่คล้ายกันสักครั้ง นี่คือการจัดระเบียบคำศัพท์เพื่อไม่ให้หลงทางในส่วนต่อๆ ไปของบทความ

ก่อนอื่น OP คือเพลงธีมเปิดที่เล่นก่อนเนื้อหาหลัก ED คือเพลงธีมปิดที่เล่นหลังเนื้อหาหลัก ทั้งสองมักกลายเป็นหน้าตาของผลงานและเป็นเพลงที่มีโอกาสฟังในฐานะเพลงเดี่ยวอย่างแพร่หลาย OP ของอนิเมะทางทีวีมักถูกสร้างตามกรอบ 90 วินาที ในทางปฏิบัติมีธรรมเนียมในการพิจารณาประมาณ 89 วินาทีรวมความเงียบด้วย การออกแบบที่ดึงความสนใจตั้งแต่วินาทีแรกๆ ก็เชื่อมโยงกับเงื่อนไขนี้ — เพื่อสร้างโลกในเวลาสั้น แต่นี่เป็นแนวทางปฏิบัติของวงการ ไม่ใช่มาตรฐานทางกฎหมายหรือเงื่อนไขเทคนิคที่บังคับใช้กับสถานีทีวีทุกแห่ง มีข้อยกเว้นตามผลงานและช่วงเวลาออกอากาศ

เพลงแทรก (Insert song) คือเพลงที่แทรกเข้ามาในเนื้อหาหลัก มีบทบาทต่างจากเพลงธีมและถูกวางไว้ที่จุดสูงสุดทางอารมณ์หรือฉากสัญลักษณ์ ตัวอย่างที่เป็นตัวแทนคือเพลง Kamado Tanjiro no Uta ที่ใช้ใน Demon Slayer ตอนที่ 19 "Hinokami" ซึ่งเป็นประเภทที่ผูกพันกับความทรงจำของตอนนั้นเอง หาก OP และ ED เป็นป้ายของผลงานโดยรวม เพลงแทรกก็เปรียบได้กับการโจมตีเพื่อแกะสลักแต่ละฉากอย่างลึกซึ้ง

เพลงประกอบฉาก (ภาษาญี่ปุ่น: gekiban — ย่อมาจาก "ดนตรีประกอบการแสดง") ไม่จำกัดเฉพาะเพลงที่มีเนื้อร้อง เป็นคำเรียกดนตรีทั้งหมดในละครที่รองรับอารมณ์ บรรยากาศ และการเปลี่ยนฉากตลอดทั้งเนื้อหาหลัก ตั้งแต่ความตึงเครียดเบื้องหลังบทสนทนา บรรยากาศการเปลี่ยนฉาก ความเร็วของการต่อสู้ ไปจนถึงอุณหภูมิของภาพย้อนอดีตที่เงียบสงบ เน้นเครื่องดนตรีเป็นหลักแต่อาจมีเสียงร้องหรือโคลัสได้

ซาวด์แทร็ก หรือ OST เป็นคำที่ใช้เรียกผลิตภัณฑ์เสียง/อัลบั้มดิจิทัลที่บรรจุเพลงธีมและเพลงประกอบฉากเหล่านี้ หรือแพ็คเกจทั้งหมดนั้น เพลงประกอบฉากคือชื่อเรียก "เนื้อหาดนตรี" และซาวด์แทร็กคือชื่อเรียก "แหล่งเสียงที่รวบรวมสิ่งเหล่านั้น" — เพลงประกอบฉาก ≠ ซาวด์แทร็ก เพียงแค่เข้าใจจุดนี้ก็เพียงพอแล้ว

สรุปด้วยประโยคเดียว: anison คือชื่อเรียกที่เน้น "หมวดหมู่เพลง" ที่ผูกพันกับอนิเมะ เพลงประกอบฉากคือดนตรีที่รองรับบทละคร และซาวด์แทร็กคือแพ็คเกจเสียงที่บรรจุสิ่งเหล่านั้น

ความแตกต่างระหว่าง OP・ED・เพลงแทรก・เพลงประกอบฉาก

นิยามคำศัพท์และ "ตำแหน่งที่เล่น"

เมื่อเข้าใจความสัมพันธ์ตำแหน่งก่อน ความแตกต่างระหว่าง 4 อย่างก็จะชัดขึ้นทันที OP อยู่ก่อนเนื้อหาหลัก ED อยู่หลังเนื้อหาหลัก เพลงแทรกอยู่ในฉากเฉพาะของเนื้อหาหลัก และเพลงประกอบฉากคือเสียงที่รองรับตลอดเนื้อหาหลักในฐานะดนตรีประกอบการแสดง เมื่อสับสนกันมักจะคิดว่า "ไม่ใช่ BGM ทั้งหมดเหรอ?" แต่ในความเป็นจริงบทบาทและการออกแบบก็แตกต่างกันนะ

OP คือเพลงธีมเปิด วางไว้ที่ทางเข้าของอนิเมะ เป็น "หน้าตา" ที่กำหนดความประทับใจแรกของผลงาน ในอนิเมะทางทีวีมักพูดถึงกรอบ 90 วินาที ในทางปฏิบัติประมาณ 89 วินาที ต้องสร้าง hook ในเวลาสั้น พาทั้งสายตาและหูไปพร้อมกันตั้งแต่วินาทีแรก ความรู้สึกอัดแน่นนั้นเป็นเอกลักษณ์ของ OP

ED คือเพลงธีมปิด เล่นหลังเนื้อหาหลัก ทำหน้าที่ลงจอดอารมณ์อย่างเงียบๆ หลังตอนที่เข้มข้น เมื่อ ED เพราะๆ เล่นออกมา ความรู้สึกที่พุ่งขึ้นระหว่างดูก็จะค่อยๆ สงบลง ในทางกลับกันก็มีผลงานที่ตั้งใจจบด้วย ED ที่ทำให้ไม่สบายใจเพื่อทิ้งความอยากรู้ไว้สำหรับตอนถัดไป "การจัดระเบียบความรู้สึกหลังจบ" คืองานของ ED

เพลงแทรกคือเพลงที่แทรกเข้ามากลางเนื้อหาหลัก ไม่ใช่ทุกตอนจะมีแต่จะใส่ไว้ในฉากที่ใช่ จุดสูงสุด จุดเปลี่ยน การสารภาพ การจากลา การตื่นรู้ มักใช้ในจุดสูงสุดทางอารมณ์เหล่านั้นและมีพลัง ยกอุณหภูมิของฉากขึ้นหนึ่งระดับ ในขณะที่ OP และ ED อยู่ที่ตำแหน่งคงที่ในโครงสร้างรายการ เพลงแทรกคือเสียงที่ทำงานได้ผลภายในใจกลางของดราม่า

เพลงประกอบฉาก (gekiban) เป็นคำที่ใช้ในภาพยนตร์และละครทีวีด้วย หมายถึงดนตรีทั้งหมดที่รองรับบทสนทนา การเดินทาง การต่อสู้ ความเงียบ การเปลี่ยนฉาก เน้นเครื่องดนตรีเป็นหลัก แต่ score ที่ออกแบบตามภาพ เป็นวิธีคิดที่ช่วยให้เข้าใจได้ง่าย ใกล้เคียงกับการพูดว่า BGM ทั่วไปแต่เพลงประกอบฉากมีความรู้สึกว่าถูกเย็บเข้ากับฉากในฐานะส่วนหนึ่งของการกำกับมากกว่า

ผมชอบดูวิดีโอ no-credit OP และ ED แค่ลบซับไตเติ้ลออก ความเข้ากันของภาพและเพลงก็โดดเด่นขึ้นอย่างน่าประหลาด ไม่ว่าจะเป็นช่วงที่สีหน้าตัวเอกเปลี่ยนพร้อมกับท่อนฮุก หรือช่วงที่จังหวะก้าวและจังหวะดนตรีสอดคล้องกันใน ED ดูแล้วรู้สึกว่า "เพลงนี้วางไว้สำหรับผลงานนี้" แม้แค่เสียงก็สมบูรณ์ได้ แต่เมื่อมีภาพเข้ามาความหมายก็เปลี่ยน นั่นคือความน่าสนใจของดนตรีอนิเมะ

ความแตกต่างของบทบาทและการกำกับ

แม้จะเป็น "ดนตรีที่เล่นในอนิเมะ" เหมือนกัน แต่ OP・ED・เพลงแทรก・เพลงประกอบฉากมีทิศทางการทำงานต่อผู้ชมที่แตกต่างกัน ไม่ใช่แค่ตำแหน่งที่แตกต่าง จุดประสงค์ว่าเป็นเสียงเพื่อให้รู้สึกอะไร แบ่งออกอย่างชัดเจนสำหรับแต่ละอย่าง

OP คือ ทางเข้าของผลงาน ต้องส่งมอบโลก ความตึงเครียด ความสัมพันธ์ของตัวละครให้กับผู้ชมในเวลาสั้น ดังนั้นทั้งภาพและเสียงจึงมักให้ความสำคัญกับความแข็งแกร่งของความประทับใจ การเปิดด้วยท่อนฮุกหรือ intro ที่แข็งแกร่งมีมากก็เพราะเหตุนี้ ในช่วงเวลาจำกัดประมาณ 89 วินาที มีประสิทธิภาพกว่าที่จะแสดงให้เห็นตั้งแต่เนิ่นๆ ว่า "ผลงานนี้มีอุณหภูมิแบบนี้" มากกว่าการสะสมอย่างระมัดระวังตั้งแต่ท่อน A เมื่อดูจบร่างกายก็จดจำบรรยากาศของผลงานไปแล้ว OP คือทั้งการนำเข้าและการประกาศ

ED รับผิดชอบการจัดระเบียบความรู้สึกหลังจบ รับอารมณ์ของเนื้อหาหลัก และยังเป็นเบาะรองรับที่พาผู้ชมกลับสู่ฝั่งความเป็นจริงด้วย ตัวอย่างเช่น หลังจากฉากที่หนักหน่วง เมื่อ ED เพราะๆ เล่นขึ้น บางครั้งเพลงก็อุ้มอารมณ์ที่ยังประมวลผลไม่ได้ผ่านบทสนทนาแทน ในทางกลับกันก็มีผลงานที่ทิ้งความรอดไว้ด้วย ED สดใส ตรงนี้ไม่ใช่ "ปิด" แต่ ปิดอย่างไร คือหัวใจ

เพลงแทรกคือ เสียงที่เน้นจุดสูงสุดของฉาก ยิ่งกว่านั้นไม่ใช่แค่ทำให้คึกคักเท่านั้น เมื่อเนื้อร้องทับซ้อนกับจิตใจของตัวละคร หรือทำนองทับซ้อนกับช่วงเวลาแห่งการตื่นรู้และการตัดสินใจ ก็ขยายความหมายของฉากนั้นออกไปเอง แม้จะมีจำนวนครั้งที่ปรากฏน้อยกว่าเพลงธีม แต่เมื่อเข้าที่ก็มีพลังทำลายล้างสูง สิ่งที่จดจำได้หลังจากดูในฐานะ "เพลงในฉากนั้น" มักจะเป็นเพลงแทรก

เพลงประกอบฉากคือ ฐานรากที่รองรับอารมณ์ บรรยากาศ และจังหวะ บางครั้งโดดออกมาข้างหน้าอย่างโดดเด่น แต่ส่วนใหญ่ทำงานโดยไม่มีใครสังเกต เบสอ่อนๆ เข้ามาก่อนความตึงเครียด เอาแค่คอร์ดสั้นๆ วางไว้ระหว่างบทสนทนา motif สักสองสามวินาทีแทรกเข้าไปให้สอดคล้องกับฉากต่อสู้ การออกแบบที่ละเอียดเช่นนั้นช่วยยกระดับความน่าเชื่อถือของหน้าจอ เมื่อเข้าถึงแนวคิดการ full-music scoring เพลงประกอบฉากก็ดูเหมือนองค์ประกอบการกำกับที่เชิงรุกมากกว่า "ดนตรีพื้นหลัง"

ตารางเปรียบเทียบ

แค่อ่านจากตัวหนังสือเดียวก็สับสนได้ง่าย ดูตารางจะช่วยจัดระเบียบได้ง่ายขึ้น

ดูจากตารางนี้ ความแตกต่างระหว่างเพลงแทรกและเพลงประกอบฉากก็ชัดขึ้นด้วย ทั้งสองเล่นในเนื้อหาหลักแต่ เพลงแทรกคือ "เสียงที่ยกฉากขึ้นด้วยบทเพลง" เพลงประกอบฉากคือ "เสียงที่รองรับทั้งฉาก" ในทางกลับกัน OP และ ED ทั้งสองเป็นเพลงธีมแต่ OP คือทางเข้า ED คือทางออก ความแตกต่างซ้าย-ขวานั้นเพียงอย่างเดียวก็เปลี่ยนวิธีได้ยินไปมากทีเดียว

กรณีศึกษา: Demon Slayer ตอนที่ 19 และเพลงแทรก

ตัวอย่างที่เข้าใจง่ายคือ Demon Slayer ตอนที่ 19 "Hinokami" ในตอนนี้ใช้เพลงแทรก Kamado Tanjiro no Uta รวมศูนย์อารมณ์ของจุดสูงสุดไว้ที่จุดเดียว สิ่งที่ทำให้ได้ผลตรงนี้ไม่ใช่ "เพลงดังเล่น" แต่คือ การแทรกเพลงเข้าไปในจิตใจของเรื่องในเวลาที่เพลงธีมไม่อาจรับผิดชอบได้

ฉากนั้น ตอนดูครั้งแรกผมขนลุก เมื่อเพลงเข้ามาในขณะที่ความร้อนของภาพกำลังพุ่งไปสู่จุดสูงสุด วิธีมองเห็นฉากก็เปลี่ยน ไม่ใช่แค่ความดุเดือดของการต่อสู้ แต่ความทรงจำและคำอธิษฐานที่ Tanjiro แบกรับก็หลั่งไหลเข้ามาพร้อมกัน เป็นช่วงเวลาที่อยากจะบอกว่าเพลงแทรกต่อสายอารมณ์ขึ้นใหม่

เมื่อคิดถึงความแตกต่างจาก OP และ ED ตรงนี้ ความต่างของบทบาทก็ชัดเจน OP คือหน้าตาของผลงานทั้งหมด ทำงานเป็นทางเข้าของแต่ละตอน ED รับอารมณ์หลังจากดูจบตอนนั้น แต่ Kamado Tanjiro no Uta ไม่ใช่ทั้งสองอย่าง มันปรากฏกลางเนื้อหาหลัก ยิ่งกว่านั้นเฉพาะที่จุดสูงสุด มุ่งตรงไปที่อารมณ์ของผู้ชม นี่คืองานของเพลงแทรก

ในทางกลับกัน ฉากนั้นก็ไม่สำเร็จด้วยเพลงแทรกเพียงอย่างเดียว ความตึงเครียด การหายใจ ช่วงเงียบ ความหนักของสายตาที่มาถึงตรงนั้น — สิ่งที่รองรับสิ่งเหล่านี้คือการออกแบบแบบเพลงประกอบฉาก Demon Slayer เป็นที่รู้จักว่าใส่เสียงตามภาพอย่างละเอียด จึงทำให้การเปลี่ยนไปยังเพลงแทรกก็มีชีวิตชีวาด้วย เพลงประกอบฉากสร้างพื้น และบนนั้นเพลงแทรกก็แทงทะลุเพดาน ผมคิดว่าความสัมพันธ์แบบนั้นใกล้เคียงที่สุด

เมื่อดูตัวอย่างนี้ จะเห็นว่า OP・ED・เพลงแทรก・เพลงประกอบฉากไม่ใช่แค่การจำแนกประเภท แต่เป็น ชิ้นส่วนที่แบ่งกันรับผิดชอบการออกแบบอารมณ์ของอนิเมะ ไม่มีอันใดที่ยิ่งใหญ่คนเดียว เสียงที่สร้างทางเข้า เสียงที่รับความรู้สึกหลังจบ เสียงที่พุ่งตรงสู่จุดสูงสุด และเสียงที่รองรับบรรยากาศทั้งหมด เมื่อฟังด้วยจิตสำนึกถึงบทบาทของแต่ละอย่าง ความหนาแน่นของประสบการณ์ในตอนเดียวกันก็เปลี่ยนไป

ประวัติศาสตร์ Anison | จากเพลงสำหรับเด็กสู่ศูนย์กลาง J-POP

เมื่อจัดระเบียบบทบาทไว้ตั้งแต่ต้น ประวัติศาสตร์ต่อไปก็ติดตามได้ง่ายขึ้น OP คือเพลงที่พาผู้ชมเข้าสู่เรื่องราวในฐานะทางเข้าของผลงาน ED คือเพลงที่สร้างที่วางอารมณ์หลังดูจบ เพลงแทรกคือเพลงที่ทะลวงจุดสูงสุดของเนื้อหาหลักด้วยจุดเดียว เพลงประกอบฉากคือเสียงที่รองรับอารมณ์ บรรยากาศ และการเปลี่ยนฉากในฐานะดนตรีประกอบการแสดง ไม่ใช่แค่ชื่อที่ต่างกัน งานที่รับผิดชอบในอนิเมะก็ต่างกันด้วย

ตัวผมเอง ทำนอง OP ที่จำจากการฟังตอนเด็กๆ แม้ผ่านมาหลายสิบปีก็ยังหลุดออกมาจากปากโดยไม่รู้ตัว บางครั้งมีแค่ทำนองที่เหลืออยู่ก่อนทั้งภาพด้วยซ้ำ ประวัติศาสตร์ของ anison ก็คือประวัติศาสตร์ของพลังในการจดจำนั้นที่ขยายออกไปอย่างไรในแต่ละยุค

ทศวรรษ 1960-70: การขยายสู่มวลชนในยุค "การ์ตูนทีวี"

จุดเริ่มต้นที่ข้ามไม่ได้คือ Tetsuwan Atomu (Astro Boy) ที่เริ่มออกอากาศในปี 1963 ควบคู่กับการแพร่หลายของอนิเมะทางทีวี เพลงที่ทำขึ้นสำหรับอนิเมะก็ค่อยๆ เข้ามาในบ้าน ในยุคนั้นเรียกว่า "การ์ตูนทีวี" มากกว่า "อนิเมะ" และเพลงธีมก็มีลักษณะสำหรับเด็กมากกว่าสมัยนี้

แม้กระนั้นก็ไม่อาจเรียกเพลงในยุคนี้ว่าเป็นแค่ส่วนเสริมได้ ร้องชื่อผลงานและชื่อตัวเอกอย่างชัดเจน แพร่หลายอย่างรวดเร็วด้วยทำนองที่จดจำง่าย เมื่อได้ยินซ้ำทุกสัปดาห์หน้าทีวี เพลงธีมก็กลายเป็นป้ายของผลงานเอง ตามข่าวในยุคนั้น รายงานว่า ED ปี 1966 "Obake no Q-taro Ondo" ยอดขายแผ่นเสียงเกิน 2 ล้านแผ่น และถือเป็นตัวอย่างที่สรุปการแพร่กระจายนั้น อย่างไรก็ตาม ความน่าเชื่อถือของตัวเลขยอดขายทางประวัติศาสตร์ประเภทนี้จะสูงขึ้นหากตรวจสอบผ่านแหล่งอ้างอิงหลัก (เช่น คลังเก็บหนังสือพิมพ์ยุคนั้นหรือประกาศของบริษัทแผ่นเสียง)

เมื่อฟังความรู้สึกในยุคนั้นย้อนกลับไปในปัจจุบัน OP เป็นเพลงที่ยืนหยัดประกาศตัวเองว่า "หน้าตาของผลงาน" และ ED คือเพลงที่ทิ้งความคุ้นเคยและส่งผู้ฟังออกไป เพลงแทรกและเพลงประกอบฉากก็มีอยู่แต่เพลงธีมคือสิ่งที่ผู้ฟังทั่วไปสังเกตเห็นอย่างเข้มข้น รากฐานที่ดนตรีอนิเมะปักลึกลงในวัฒนธรรมมวลชนถูกสร้างขึ้นที่นี่

ประมาณ 1974: การได้มาซึ่งความดรามาและจุดเปลี่ยน

ประมาณปี 1974 ถูกกล่าวถึงในฐานะจุดเปลี่ยน Uchuu Senkan Yamato (Space Battleship Yamato) มีความหมายใหญ่ในฐานะจุดเปลี่ยนที่ anison ออกจากทิศทางสำหรับเด็กเพียงอย่างเดียวและก้าวสู่เพลงธีมที่มีความเป็นเรื่องราว

การเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นที่นี่ไม่ใช่แค่การเปลี่ยนแปลงท่วงทำนอง OP เปลี่ยนจากเพลงแนะนำผลงานไปเป็นเพลงที่แบกรับโลกและชะตากรรม ไม่ใช่แค่ช่วยจำชื่อตัวเอกแต่ขนาด ความโศกสลด และบรรยากาศของการเดินทางของผลงานก็ถูกรับผิดชอบโดยเพลงธีมด้วย แม้หน้าที่ "ทางเข้า" ของเพลงจะเหมือนเดิม แต่ความหนาแน่นของเรื่องราวเบื้องหลังทางเข้านั้นก็เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว

การเปลี่ยนแปลงนี้ยังส่งผลต่อวิธีได้ยิน ED และเพลงประกอบฉากด้วย ยิ่งเรื่องราวหนักขึ้น ED ก็ยิ่งกลายเป็นพื้นที่จัดระเบียบอารมณ์มากกว่าการปิดแบบเรียบง่าย และเพลงประกอบฉากก็เพิ่มความสำคัญในฐานะโครงกระดูกที่ทำให้ดราม่าเป็นรูปเป็นร่างมากกว่าแค่เบื้องหลัง นั่นคือช่วงเวลาที่ดนตรีอนิเมะก้าวจาก "เพลงสำหรับเด็ก" ไปสู่ "ดนตรีที่ขนส่งเรื่องราว"

{{OGP_PRESERVED_0}}

ทศวรรษ 1980-90: การเข้าใกล้ J-POP และการใช้ศิลปิน

เมื่อเข้าสู่ทศวรรษ 1980-90 anison ก็เพิ่มการเชื่อมต่อกับตลาดดนตรีทั่วไปมากขึ้น ระยะห่างระหว่างชาร์ต J-POP และเพลงธีมอนิเมะลดลง และตัวอย่างที่เพลงถูกฟังอย่างกว้างขวางในฐานะเพลงป็อปหนึ่งเพลงขณะที่เป็นเพลงสำหรับผลงานด้วยก็เพิ่มขึ้น สิ่งที่โดดเด่นที่นี่คือกระแสการใช้ศิลปินยอดนิยมที่มีอยู่แล้วสำหรับเพลงธีม

ความน่าสนใจของยุคนี้คือเพลงธีมอนิเมะเริ่มมีชีวิตได้ "นอกอนิเมะ" ด้วย วางขายในร้าน CD ร้องในคาราโอเกะ ได้ยินในรายการทีวีด้วย ยิ่งมีฉากที่เพลงธีมได้รับการรับรู้ว่าเป็นหนึ่งในเพลงตัวแทนของศิลปิน ไม่ใช่แค่การโฆษณาผลงาน OP กลายเป็นทั้งทางเข้าของผลงานและทางเข้าของ J-POP

ยิ่งการเข้าใกล้กับตลาดดนตรีเดินหน้า บทบาทของ ED ก็ละเอียดอ่อนขึ้น เพราะต้องทั้งรับความร้อนของเนื้อหาหลักและทำให้เป็นงานเพลงที่สำเร็จในตัวเองด้วย แม้จะเป็นเพลงที่ทำสำหรับอนิเมะแต่เมื่อฟังในวิทยุหรือบนท้องถนนก็น่าดึงดูดด้วย การสมดุลนั้นยกระดับเพลงธีมในยุคนี้ขึ้น อาจกล่าวได้ว่านี่คือช่วงเวลาที่ anison เข้าใกล้ดนตรีที่ฟังได้อย่างธรรมดาในกระแส J-POP มากกว่าดนตรีที่วางอยู่บนชั้นพิเศษ

ทศวรรษ 2000: อนิเมะดึก นักพากย์นักร้อง การขยายตัวของเพลงตัวละคร

เมื่อเข้าสู่ทศวรรษ 2000 การขยายตัวของอนิเมะดึกก็เปลี่ยนภาพ anison จำนวนผลงานเพิ่มขึ้นและรสนิยมของผู้ชมก็แตกกระจาย วิธีทำและขายเพลงธีมก็กลายเป็นหลายชั้น ความสำคัญของนักพากย์นักร้อง (seiyuu kashu) เข้มแข็งขึ้น และเพลงตัวละคร (character song) ก็ขยายออกไป ยุคที่ไม่ใช่แค่เพลงที่ฮิตนอกอนิเมะ แต่เพลงที่ขุดลึกในโลกของผลงานก็เติบโตควบคู่กัน

ยุคนี้ยังไม่สามารถมองข้ามจุดที่ความร่วมมือระหว่างคณะกรรมการผลิตและค่ายเพลงโดดออกมาด้านหน้าได้ ดนตรีไม่ใช่ส่วนเสริมของเนื้อหาหลัก แต่ถูกรวมเข้าเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของการพัฒนาผลงาน ตัวอย่างที่ออกแบบรวมทั้งการเลือกศิลปินเพลงธีม CD และการกระจาย คอนเสิร์ต อีเวนต์ มีเพิ่มขึ้น และ anison กลายเป็นทั้งส่วนหนึ่งของประสบการณ์ผลงานและแกนกลางของธุรกิจ เมื่อมองว่าจำนวนอนิเมะใหม่ถึง 64 ผลงานในช่วง ก.ค.-ก.ย. 2024 ก็เห็นโครงสร้างที่ความหนาแน่นของจำนวนผลงานรองรับความหลากหลายของดนตรี

ในขณะเดียวกัน การประเมินเพลงประกอบฉากก็โดดขึ้นมาด้านหน้าด้วย ตัวอย่างที่เป็นสัญลักษณ์คือเพลงประกอบ Howl's Moving Castle ซึ่งได้รับรางวัลทองจาก JASRAC ในปี 2007 และเป็นที่รู้จักว่าอยู่อันดับ 1 ในการกระจายค่าลิขสิทธิ์ปี 2006 นี่คือตัวอย่างที่แสดงให้เห็นว่าเพลงประกอบฉากไม่จบอยู่ที่ "การมีอยู่ที่ซ่อนอยู่ใต้เงาของเพลง" แต่เป็นดนตรีที่ถูกฟัง ถูกใช้ และมีคุณค่าได้กว้างขวางแม้อยู่คนเดียว ในขณะที่เพลงธีมรับผิดชอบทางเข้าและทางออก เพลงประกอบฉากก็ยังคงรองรับโลกของผลงานจากภายใน การแบ่งบทบาทนั้นถูกทำให้มองเห็นได้ชัดเจนยิ่งขึ้นที่นี่

ตั้งแต่ทศวรรษ 2010: การกระจายและการขยายตัวทั่วโลก

หากพูดถึงการเปลี่ยนแปลงตั้งแต่ทศวรรษ 2010 ด้วยคำเดียว ความเร็วที่ anison ข้ามพรมแดนก็เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว ด้วยการแพร่หลายของบริการกระจายและโซเชียลมีเดีย โดยไม่ต้องผูกมัดกับพื้นที่ออกอากาศหรือการกระจายแผ่นนำเข้า ทั้งเพลงธีมและเพลงประกอบฉากก็ถูกแบ่งปันพร้อมกันในยุคสมัยเดียวกัน ยิ่งกว่านั้นสิ่งที่น่าสนใจคือมันถูกรับเข้ามาทั้งที่ยังเป็นภาษาญี่ปุ่น

ในยุคการกระจาย ผมได้พบฉากที่เพื่อนชาวต่างชาติฮัมเพลงธีมตามเสียงภาษาญี่ปุ่นนั้นหลายครั้ง แม้ไม่สามารถอธิบายความหมายทั้งหมดได้ แต่ก็ชอบก่อนด้วยทำนองและเสียง จากนั้นก็เข้าสู่ผลงานแล้วตามหาความหมายของเนื้อเพลงทีหลัง แต่ก่อนจะมีการแปลหรือการแปลงท้องถิ่นก่อน ตอนนี้ลำดับเปลี่ยนเป็น "มาถึงในฐานะเสียงก่อน" OP ไม่ใช่แค่ทางเข้าของผลงาน แต่ยังมีความรู้สึกว่าเป็นทางเข้าสู่วัฒนธรรมป็อปของญี่ปุ่นเอง

หนึ่งในเหตุการณ์ที่เป็นสัญลักษณ์ของสิ่งนั้นคือ Zankyou Sanka ของ Aimer ที่เข้าสู่อันดับต้นในการจัดอันดับประจำปีของ Billboard Japan ในปี 2022 และเพลงธีมอนิเมะก็แสดงตัวตนในชาร์ตทั่วไปด้วย แนะนำให้เพิ่มแหล่งอ้างอิงหลักที่ระบุได้ว่าหมายถึงชาร์ตใด (เช่น Billboard Japan Hot 100 เป็นต้น)

ทำไม Anison จึงติดหู? | ข้อจำกัด 89 วินาทีและโครงสร้างเพลง

การออกแบบ "TV Size" (89 วินาที)

เหตุผลที่ OP ของอนิเมะติดหูไม่ใช่แค่เรื่องของความรู้สึกเท่านั้น สิ่งที่ใหญ่อย่างแรกคือ OP ของอนิเมะทางทีวีถูกสร้างขึ้น โดยมีข้อสมมุติว่าต้องสร้างความประทับใจในเวลาสั้น ในทีวีกรอบ 90 วินาทีเป็นเรื่องปกติ ในทางปฏิบัติมักพบคำอธิบายว่าประมาณ 89 วินาทีรวมความเงียบ ใน J-WAVE NEWS ก็พูดถึงว่าธรรมเนียมนั้นฝังลึกเข้าไปในความคิดของฝ่ายผลิต

เมื่อแปลเวลานี้เป็นการออกแบบดนตรี จะเกิดอะไรขึ้น? ในเทมโป 120 BPM ของเพลงป็อปทั่วไป 89 วินาทีใส่ได้ประมาณ 45 บาร์ ไม่มีพื้นที่สำหรับขยายโลกอย่างค่อยๆ จาก intro ยาวเหมือนเพลงป็อปประมาณ 4 นาที ให้ฟังท่อนฮุกหนึ่งรอบอย่างจริงจัง ผ่านท่อน A และ B อย่างสั้น ปิดโดยรวมกับจุดแสดงของภาพ โครงสร้างแบบอัดแน่นเช่นนั้นจึงถูกเลือกอย่างธรรมชาติ

ตั้งแต่รู้กลไกนี้ ผมก็เข้าใจสาเหตุว่าทำไม OP ที่ดูตอนแรกครั้งแรกถึงยังไม่ออกจากหัว แค่โปรเซสในช่วง 10 วินาทีแรกก็ถูกพาไปทั้งใจ และหลังออกอากาศก็ตามหา full version ทันที หลายครั้งนั่นไม่ใช่ "ท่อนดังๆ" โดยบังเอิญ แต่เป็นประสบการณ์ที่การออกแบบเพื่อแกะสลักหน้าตาของผลงานใน 89 วินาทีโดนใจ

ท่อนฮุกเปิดเพลงและ "การพัฒนาที่รวดเร็ว"

เพื่อให้จำได้ในเวลาสั้น ไม่สามารถกักเก็บไว้ได้ สิ่งที่ทำงานได้ผลตรงนี้คือ ท่อนฮุกเปิดเพลง หรือ "การพัฒนาที่รวดเร็ว" ที่ตัด intro ให้สั้นซึ่งพูดถึงกันบ่อยใน anison เพราะต้องวาง hook ตั้งแต่วินาทีแรกๆ เพื่อประทับอุณหภูมิของผลงานและเส้นกรอบของเพลงธีมพร้อมกันให้กับผู้ชมที่เพิ่งดูตอน 1 เท่านั้น

นี่ไม่ใช่แค่เรื่อง "บูมขึ้นตั้งแต่ต้น" ส่วนที่แข็งแกร่งที่สุดของทำนองเสียงร้อง จุดเน้นของกลอง วิธีเปิดคอร์ด ช่วงเวลาที่โลโก้ชื่อเรื่องปรากฏ สายตาและการกระทำของตัวละคร ทั้งหมดถูกอัดแน่นในเวลาสั้น ทำให้การได้ยินและการมองเห็นเข้าสู่ความทรงจำพร้อมกัน เมื่อดูวิดีโอ no-credit OP ความสุขนี้ชัดมาก ตัวอย่างเช่นเมื่อ kick เข้ามาที่หัวท่อนฮุกหน้าจอก็เปลี่ยน พร้อมกับการตัดไซมบัล ตัวละครก็หันมา ด้วยการตีหนึ่งของ break ชื่อเรื่องก็ออกมา เมื่อ "จุดที่ล็อค" นั้นเข้ากันพอดี ฉันมีความรู้สึกว่าไม่ใช่แค่ฟังเพลง แต่เพลงรวมกับภาพเข้ามาในร่างกาย

ความรู้สึกนี้แตกต่างจาก ED และเพลงประกอบฉากเล็กน้อย ED มีแนวโน้มทำงานในทิศทางรับความรู้สึกหลังจบ เพลงประกอบฉากยืดหดตัวอย่างยืดหยุ่นตามแต่ละฉาก ในทางกลับกัน OP แบกหน้าที่สร้างทางเข้าของผลงานด้วยการโจมตีครั้งแรก ดังนั้นจึงเข้ากับท่อนฮุกเปิดเพลง intro สั้น การเปลี่ยนฉากเร็วอย่างยอดเยี่ยม

ความสัมพันธ์กับ Full Size และสภาพแวดล้อมการผลิต

ที่น่าสนใจตรงนี้คือความสัมพันธ์ระหว่าง full size ที่เราฟังใน streaming service กับ TV size ที่ได้ยินออกอากาศ ในความรู้สึกมักคิดว่า "ตัด full song ให้สั้นแล้วทำ OP" แต่ในทางปฏิบัติก็มีความคิดในทิศทางตรงกันข้ามด้วย ในการสัมภาษณ์ Oishi Masayoshi ที่ลงใน QuizKnock มีตัวอย่างการทำ TV size ก่อนแล้วส่ง หลังจากทิศทางถูกกำหนดจากนั้นแล้วค่อยขยายไปสู่ full chorus

นี่มีเหตุผล เวอร์ชัน 89 วินาทีต้องทำงานเป็นส่วนนำเข้าของผลงาน นั่นคือไม่ใช่สรุปของเพลงหนึ่ง แต่เป็น รูปแบบสมบูรณ์สำหรับกรอบออกอากาศและภาพ ที่ถูกต้องการก่อน หาก full size ทั่วไปประมาณ 210-240 วินาที 89 วินาทีก็เป็นเพียงประมาณ 37-42% ของทั้งหมด ต้องบรรจุหน้าตาของผลงาน ความสุขของท่อนฮุก และแรงดึงดูดในฐานะเพลงไว้ในนั้น จึงไม่ใช่แค่เวอร์ชันย่อ อาจกล่าวได้ว่า TV size ยิ่งเปิดเผยปรัชญาการออกแบบมากกว่า

ผมชอบช่วงเวลาที่เมื่อฟัง full size แล้วแปลกใจว่า "ส่วนต่อของ OP นั้นมาที่นี่" ใน TV size พุ่งตรงไปยังท่อนฮุก แต่ใน full มีท่อน A หรือ interlude ที่มีสีหน้าอื่น และยืนหยัดในฐานะเพลงป็อปหนึ่งเพลงนอกผลงานด้วย พูดกลับกัน ยิ่ง full size น่าดึงดูดเท่าไหร่ เวอร์ชัน 89 วินาทีไม่ใช่การตัดสินใจว่าจะตัดตรงไหน แต่เป็นการตัดสินใจว่าตรงไหนจะเป็น หน้าตาตัวแทน ความรู้สึกการตัดต่อและการแต่งเพลงของสภาพแวดล้อมการผลิตถูกบรรจุอยู่ที่นั่น

ความกว้างของธรรมเนียมและข้อยกเว้น

แน่นอนว่าไม่ใช่ทุก anime OP จะพอดีกับรูปแบบเดียวกัน 90 วินาที ในทางปฏิบัติประมาณ 89 วินาทีเป็นแค่แนวโน้มทั่วไป บางผลงานมีโครงสร้างที่สั้นกว่า มีทั้งกรณีเปิดพิเศษประมาณ 65 วินาทีและกรณีที่ทำลายวิธีการเข้าปกติตามเจตนาการกำกับ ถ้ามองว่าเป็นกฎเด็ดขาดก็จะผิด

แต่ข้อยกเว้นก็ทำให้เห็นบางสิ่งด้วย ยิ่งเวลาสั้นลง น้ำหนักของเสียงแรก วลีเดียว กรอบเดียวก็ยิ่งมาก ในทางกลับกันแม้มีพื้นที่เพิ่มขึ้นบ้าง วัฒนธรรมที่ OP อนิเมะให้ความสำคัญกับความแข็งแกร่งของ hook ก็ยังคงอยู่ได้ง่าย ไม่ใช่ว่ามีข้อจำกัดแล้วจะออกมาเป็นเพลงเดียวกัน แต่เพราะมีข้อจำกัดจึงทำให้ ตำแหน่งที่จะดึงความประทับใจ ชัดเจนออกมา

ความน่าจดจำของ anison ไม่สามารถอธิบายได้ด้วยแค่ทำนองที่ป็อปและจดจำง่าย กรอบประมาณ 89 วินาที โครงสร้างที่ดึงความประทับใจตั้งแต่ต้น การซิงค์กับภาพ และการเดินทางไปกลับกับ full size ทั้งหมดทับซ้อนกันสร้างเพลงที่ติดหูด้วยตอนแรกเพียงตอนเดียว ไม่ใช่บางเพราะสั้น แต่เพราะสั้นจึงคมชัด ความแข็งแกร่งของ anison อยู่ที่สุนทรียศาสตร์ของการอัดแน่นนั้นพอดี

เพลงประกอบฉากยอดเยี่ยมอย่างไร? | งานที่แตกต่างจากเพลงธีม

ความแตกต่างระหว่างเพลงประกอบฉากและ BGM

เพลงประกอบฉาก (gekiban) ย่อมาจาก "ดนตรีประกอบการแสดงในละคร" เล่นในเนื้อหาหลักของภาพยนตร์ ละครทีวี อนิเมะ หมายถึงดนตรีที่รองรับอารมณ์ บรรยากาศ และการเปลี่ยนฉากของฉาก ในแง่คำศัพท์ใกล้เคียงกับ BGM แต่สิ่งที่ไม่อยากมองข้ามที่นี่คือ ถูกออกแบบตามภาพหรือไม่ เพลงประกอบฉากไม่ใช่แค่ "เสียงที่เล่นอยู่เบื้องหลัง" แต่ทำงานเป็นดนตรีที่ถูกวางตามการเปลี่ยนฉาก การเคลื่อนไหวของสายตา ความยาวของความเงียบ คลื่นอารมณ์

ตัวอย่างเช่น มีฉากที่เสียงสายเพียงเสียงเดียวเข้ามาหลังบทสนทนาหยุด ไม่มีใครร้องไห้ ไม่มีบทพูดอธิบาย แต่เพียงเสียงนั้นความรู้สึกลึกๆ ในใจก็มีเส้นกรอบก่อน ตอนนั้นผมรู้สึกว่างานของเพลงประกอบฉากไม่ใช่ "ทำให้คึกคัก" แต่คือการทำให้ความรู้สึกที่ยังไม่เป็นคำพูดสามารถได้ยินได้อย่างเงียบๆ "ช่วงเงียบ" ที่ไม่มีบทพูดไม่จบลงเป็นความว่างเปล่า แต่ถูกเสียงมอบความหมายให้ นั่นคือความแตกต่างที่ชี้ขาดจาก BGM ทั่วไป

ถ้าเพลงธีมคือหน้าตาของผลงาน เพลงประกอบฉากก็คืออุณหภูมิร่างกายของผลงาน ไม่ใช่บทบาทที่ออกมาข้างหน้าอย่างเดียวแบบ OP และ ED แต่รองรับตั้งแต่ล่างถึงช่วงห่างของบทพูด จังหวะการต่อสู้ บรรยากาศของทางเดินที่เงียบสงบ ไม่โดดเด่น แต่ถ้าเอาออกโลกก็จะแบนราบทันที ความรู้สึก "ไม่ออกมาข้างหน้ามากเกินไปแต่กำหนดกระแสอารมณ์" นั้นแหละคือความยอดเยี่ยมของเพลงประกอบฉาก

งาน Film Scoring

สิ่งที่อยู่ในแกนกลางของเพลงประกอบฉากคือแนวคิด film scoring นี่คืองานเขียนดนตรีตามความยาวและจังหวะเวลาของภาพ ตัวละครหันมาในกี่วินาที ฉากเปลี่ยนที่ไหน เหลือความเงียบไว้กี่จังหวะ กับการเคลื่อนไหวภาพเช่นนั้น ไม่ใช่เพิ่มเสียงทีหลัง แต่เป็นแนวคิด สร้างบนแผนผังการออกแบบเดียวกับภาพ

ด้วยวิธีนี้ดนตรีไม่ใช่ "เล่นเพลงหนึ่งเพลงแล้วก็ผ่านไป" motif สั้นๆ ดังแค่สองสามวินาทีแล้วก็หาย หรือหยุดตั้งใจตรงที่ดูเหมือนจะพุ่งขึ้น ในฉากต่อสู้ มากกว่าจะดังตลอดเวลา การลดจังหวะลงก่อนที่ใบมีดจะชนกันและเพิ่ม bass เข้าไปเฉพาะช่วงเวลาของการโจมตีที่ชี้ขาดจะทำให้ความตึงเครียดของภาพโดดขึ้น การกำกับความเงียบก็เช่นกัน ขึ้นอยู่กับว่าเล่นอะไรอยู่จนถึงก่อนเข้าสู่ความเงียบ ความหนักของความเงียบนั้นก็เปลี่ยน เพลงประกอบฉากคืองานเพิ่มเสียงพร้อมกันเป็นงานตัดสินใจว่าจะถอยที่ไหนด้วย

ผมบางครั้งเปิด soundtrack ในขณะทำงาน แต่ความแข็งแกร่งของเพลงประกอบฉากเข้าใจได้ชัดที่นั่น โดยปกติฟังขณะขยับมือได้ แต่กับเพลงหนึ่งเพลงนิ้วจะหยุดอย่างกะทันหัน ไม่ใช่เพราะทำนองหรูหรา แค่ไม่กี่บาร์ดัง ถนนปูหิน ท้องฟ้ายามเย็น การหายใจที่ตึงเครียดก่อนการต่อสู้ก็ลอยขึ้นมาพร้อมกัน ผมรู้สึกจริงๆ ว่า OST ไม่ใช่แค่คอลเลคชัน BGM แต่เป็นอุปกรณ์บันทึกความทรงจำของบรรยากาศผลงานนั้น

ตัวอย่างเฉพาะ: กรณี Demon Slayer/Ghibli

Demon Slayer ขาดไม่ได้เป็นตัวอย่างที่รู้สึกถึงพลังเพลงประกอบฉากได้ง่ายในอนิเมะ การผลิตเพลงประกอบฉากของผลงานนี้บางครั้งถูกพูดถึงด้วยความละเอียดแบบ full scoring มีความหนาแน่นของการซิงค์กับภาพสูง ในการต่อสู้ผลักเทมโปออกมาเพื่อสร้างแรงขับเคลื่อน ในฉากหายใจและท่าทางจะลดจำนวนเสียงเพื่อรักษาความตึงเครียด การเปลี่ยนแปลงนั้นละเอียดจนผู้ชมแม้ไม่ตระหนักถึงดนตรีก็ยังรับความร้อนและความตึงของฉากได้ทางร่างกาย

ตอนที่ 19 ของ Demon Slayer "Hinokami" คือตอนที่มักพูดถึงด้วยความประทับใจของเพลงแทรก แต่จุดสูงสุดนั้นได้ผลก็เพราะก่อนหน้านั้นเพลงประกอบฉากสะสมพื้นฐานของความตึงเครียดและอารมณ์ไว้ด้วย เพลงแทรกเหมือนธงที่ดังขึ้นบนยอดเขา ผู้ที่สร้างภูเขาเองคือเพลงประกอบฉากก่อนและหลัง ถ้าตัดเฉพาะเพลงธีมหรือเพลงแทรกออกมาแล้วเล่าเรื่อง สายตาก็จะมุ่งไปที่ช่วงเวลาที่โดดเด่น แต่สิ่งที่ครอบครองการหายใจของเนื้อหาหลักอยู่ที่ฝ่ายนี้

อีกตัวอย่างหนึ่ง ตัวอย่างที่เห็นการประเมินทางสังคมของเพลงประกอบฉากได้ชัดคือ Howl's Moving Castle เพลงประกอบ Howl's Moving Castle ได้รับรางวัลทองจาก JASRAC ในปี 2007 และเป็นที่รู้จักว่าอยู่อันดับ 1 ในการกระจายค่าลิขสิทธิ์ปี 2006 นี่คือเหตุการณ์ที่แสดงให้เห็นว่าเพลงประกอบฉากไม่จบอยู่ที่ "เบื้องหลังของผลงาน" แต่เป็นดนตรีที่ถูกฟัง ถูกใช้ และถูกจดจำอย่างกว้างขวาง ดนตรีของ Ghibli มีชื่อเสียงที่ main theme แต่สิ่งที่ยอดเยี่ยมจริงๆ คือถึงฉากเดินในเมือง ฉากเคลื่อนที่บนท้องฟ้า ฉากที่เวทมนตร์เพิ่งปรากฏตัวเบาๆ ทุกภูมิทัศน์ถูกมอบคุณภาพเสียง

ดังนั้นเพลงประกอบฉากเมื่อฟังใน OST ความประทับใจก็เปลี่ยน เสียงที่รับมาพร้อมกับบทพูดและเอฟเฟกต์เสียงในเนื้อหาหลัก เมื่อกลายเป็นอยู่คนเดียว "เพลงนี้สร้างบรรยากาศของฉากนั้น" ก็ชัดเจนขึ้น ไม่เหมือนกับการดูผลงานซ้ำ การสัมผัสโลกซ้ำเกิดขึ้นที่นั่น ถ้าเพลงธีมเรียกความทรงจำของทางเข้ากลับมา เพลงประกอบฉากก็คือประตูเพื่อกลับเข้าไปในผลงานอีกครั้ง

เหตุผลที่ Anison กำลังขยายตัวในปัจจุบัน | คณะกรรมการผลิตและตลาดต่างประเทศ

พื้นฐานของระบบคณะกรรมการผลิต

เมื่อคิดถึงพื้นหลังที่ anison กำลังขยายตัวในปัจจุบัน มองไม่เฉพาะแค่ความแข็งแกร่งของตัวเพลงเองแต่มองว่าผลงานถูกทำอย่างไรและถูกส่งอย่างไร ภาพก็จะเปลี่ยน สิ่งที่ปรากฏที่นี่คือระบบคณะกรรมการผลิต ในอนิเมะ กรอบที่หลายบริษัทลงทุนและแบ่งกันรับผิดชอบการกระจาย การโฆษณา การทำสินค้า การพัฒนาดนตรี ฯลฯ ถูกใช้อย่างแพร่หลาย ไม่ใช่บริษัทเดียวแบกทั้งหมด แต่นำความเสี่ยงและสิทธิ์มาร่วมกันเพื่อเลี้ยงผลงาน — ภาพใกล้เคียงกับนั้น

เมื่อตระหนักถึงโครงสร้างนี้ ก็เห็นด้วยว่าเพลงธีมไม่ใช่ "เพลงที่มาทีหลัง" ในผลงานที่ค่ายเพลงอยู่ในคณะกรรมการ แผนการออกเพลงและเส้นทางโปรโมตบางครั้งอยู่ในสายตาตั้งแต่ช่วงต้นของการวางแผน PV อนิเมะ การเริ่มกระจาย การออก CD และ streaming การเข้าร่วมคอนเสิร์ต วิธีการตัดบน SNS — ดนตรีถูกออกแบบเป็นทางเข้าของผลงาน เมื่อการเคลื่อนไหวของค่ายเพลงและทีมโปรโมตประสานงาน เพลงธีมก็ไม่ใช่ส่วนเสริมของรายการ แต่กลายเป็นหัวขบวนที่ขยายการรับรู้เกี่ยวกับผลงาน

ตัวผมเองก่อนหน้านี้ก็ผ่าน end credit ไปอย่างรวดเร็ว แต่จากที่เริ่มติดตามรายการคณะกรรมการผลิต ตระหนักว่ามีผลงานที่มีชื่อค่ายเพลงอยู่ในนั้น มุมมองก็เปลี่ยน อ้อ ที่เพลงนี้ฮิตไม่ใช่แค่โดยบังเอิญ แต่เพราะดนตรีถูกรวมเข้าไปในวิธีการส่งมอบผลงานเอง ผมเข้าใจอย่างนั้น

เพลงธีมถูกเลือกอย่างไร?

การเลือกเพลงธีมไม่ใช่เรื่องเดียว บางครั้งทิศทางถูกกำหนดในขั้นตอนการวางแผนผลงาน บางครั้งก็กำหนดรูปร่างหลังจากภาพและบทพูดเห็นชัดขึ้น ภาพของฝ่ายต้นฉบับ เจตนาของผู้กำกับและโปรดิวเซอร์ กลยุทธ์ของค่ายเพลง ความเข้ากันของการแสดงออกของฝ่ายศิลปิน ปัจจัยต่างๆ เหล่านี้ทับซ้อนกันเป็นวิธีตัดสินใจทั่วไป ดังนั้นการทำให้ง่ายว่า "เพราะเป็นศิลปินดังจึงถูกเลือก" จะเสียสัมผัสของมือมืออาชีพ น้ำหนักแตกต่างกันตามแต่ละกรณี

สิ่งที่ทำงานได้ผลตรงนี้คือบทบาทในฐานะหน้าตาของผลงาน ดังที่ได้กล่าวถึงในส่วนก่อนหน้า เพลงธีมอยู่นอกเนื้อหาหลักแต่แบกความประทับใจแรกของโลกของผลงาน ดังนั้นในการเลือกเพลง ไม่ใช่แค่คุณภาพของเพลงเพียงอย่างเดียว แต่ยังต้องถูกถามว่า "ทำให้ผู้ฟังได้ยินอุณหภูมิของผลงานนี้อย่างไร" ไม่ขัดกับภาพที่แฟนต้นฉบับมีในใจไหม ทำหน้าที่เป็นทางเข้าสำหรับผู้ชมใหม่ไหม เสียงและคำของศิลปินเชื่อมกับตัวละครและโลกของผลงานไหม มุมมองเหล่านั้นทำงานควบคู่กันในทางปฏิบัติ

กลยุทธ์ของค่ายเพลงก็เพิกเฉยไม่ได้ จะผลักดันศิลปินใหม่ออกมาพร้อมกับผลงาน หรือจะเอาคนร้องที่มีการรับรู้กว้างอยู่แล้วมาชน? โครงสร้างการโปรโมตก็จะเปลี่ยนไป อยากขยายความร้อนของผลงานด้วยดนตรีไหม อยากพาแฟนๆ ฝั่งดนตรีมาสู่ผลงานไหม หรือจะมุ่งเป้าทั้งสอง? เพลงธีมคือทั้งการแสดงออกทางศิลปะและจุดตัดของการพัฒนาสื่อ

ที่เป็นสัญลักษณ์คือ Zankyou Sanka ของ Aimer ไม่เพียงแต่แพร่กระจายในฐานะเพลงธีมอนิเมะแต่ยังบันทึกอันดับสูงในการจัดอันดับประจำปีของ Billboard Japan ในปี 2022 เป็นต้น แสดงตัวตนแม้ในชาร์ตทั่วไปด้วย (หมายเหตุ: ระบุชาร์ตประจำปีที่อ้างอิงและเพิ่มแหล่งอ้างอิงหลักอย่าง Billboard Japan)

การกระจายและการขยายตัวของผู้ฟังต่างประเทศ

สิ่งที่เร่งกระแสนี้ยิ่งขึ้นคือการกระจาย ไม่ใช่แค่รอวันออก CD แล้วขยายในประเทศ แต่ streaming อย่าง Spotify ตอนนี้ส่งไปทั่วโลกควบคู่กับการออกอากาศอนิเมะ ในการรับรู้เพลงอนิเมะของผู้ฟังต่างประเทศจากข้อมูล Spotify ก็พูดถึงการขยายตัวที่ถูกรับรับในฐานะภาษาญี่ปุ่นโดยตรง ไม่ใช่ฟังเพราะถูกแปล แต่คุณภาพเสียง ทำนอง ความแข็งแกร่งของการพัฒนา ความทรงจำที่ผูกพันกับผลงานมาด้วยกัน นั่นคือสิ่งที่น่าสนใจของ anison ในปัจจุบัน

ผมเองเมื่อคุยเรื่อง anison กับเพื่อนต่างประเทศ ถูกบอกว่า "ไม่รู้เนื้อก็ถูกทำนองจับใจ" ประโยคนั้นยังอยู่ในความทรงจำ แม้ไม่ได้แบ่งปันความหมายภาษาญี่ปุ่นก่อน แต่อารมณ์ก็ส่งถึงผ่านวิธีเปิดของท่อนฮุก เส้นโค้งจากความตึงเครียดสู่การปลดปล่อย การแสดงออกทางเสียง anison โดยธรรมชาติแล้วเชี่ยวชาญในการออกแบบที่ส่งมอบโลกในเวลาสั้น และผมคิดว่าความแข็งแกร่งนั้นก็ทำงานได้เมื่อข้ามพรมแดนด้วย

ยุคการกระจาย ความเข้ากันกับวัฒนธรรม playlist ก็ใหญ่ด้วย ผู้ฟังที่ไม่รู้บริบทตามผลงานก็ยังสามารถพบโดยบังเอิญใน "Japanese Anime Hits" หรือ playlist ตามอารมณ์ได้ จากนั้นเส้นทางกลับสู่ผลงานก็ถูกสร้าง และคนที่ดูผลงานก็ในทางกลับกันบันทึกเพลงแล้วนำกลับมาสู่ชีวิตประจำวัน การไปกลับระหว่างอนิเมะและดนตรีเป็นไปอย่างราบรื่นมากกว่าเดิม บน SNS ท่อนฮุกที่น่าประทับใจหรือส่วนที่มีภาพก็แพร่กระจาย และการเชื่อมจากนั้นไปยังการเล่น full size ก็ไม่ใช่เรื่องแปลก

ยุคที่มีอนิเมะใหม่มากการแข่งขันก็ดุเดือดด้วย แต่ยิ่งนั้นบทบาทที่เพลงธีมรับผิดชอบในฐานะ identifier ของผลงานก็ยิ่งเพิ่มขึ้น ไม่จบแค่พื้นที่ออกอากาศ เชื่อมต่อถึง streaming SNS ผู้ฟังต่างประเทศ คอนเสิร์ต วิดีโอสั้นในปัจจุบัน — anison ไม่อยู่ในกรอบ "เพลงของอนิเมะ" แต่ดังขึ้นด้วยข้อสมมุติที่ข้ามหลายตลาดตั้งแต่แรก

จากนี้ไปจะสนุกอย่างไร?

ลิ้มรส "ความต่างด้านหน้าที่" ในผลงานเดียวกัน

จุดเข้าที่มีน้ำหนักมากที่สุดคือการเลือกผลงานโปรดสักเรื่องหนึ่งแล้วฟัง OP, ED, เพลงแทรก, เพลงประกอบฉากในนั้นแยกกัน ผลงานเดียวกันแต่งานของดนตรีต่างกันได้ขนาดนี้ จุดโฟกัสของหูก็จะล็อคทันที เมื่อเปิดแค่ OP อยู่คนเดียวก็เห็นท่าทางโน้มไปข้างหน้า "กำลังจะเริ่ม" และ ED คือการหายใจเพื่อรับเนื้อหาหลัก เพลงแทรกแทงเข้าไปในฉากนั้น และเพลงประกอบฉากยังละเอียดอ่อนกว่าอีก รองรับสายตา ความเงียบ และอุณหภูมิของบรรยากาศ

เมื่อผมแนะนำให้คนอื่น ก่อนอื่นฟัง OP สักสองสามครั้งเพื่อจับหน้าตาของผลงาน แล้วดูเนื้อหาหลักและดู ED จนจบในฐานะ "ความรู้สึกหลังจบของตอนนั้น" ตามลำดับนี้แล้ว ความพึงพอใจต่อตอนเปลี่ยนไปอย่างน่าตกใจ ก่อนหน้านี้บางครั้งก็อยากข้ามไปตอนต่อทันทีที่เนื้อหาหลักจบ แต่ตั้งแต่มองว่าหนึ่งตอนรวม ED ด้วย การลงจอดอารมณ์ก็สะอาดขึ้น มีความรู้สึกว่าความประทับใจของตอนนั้นค่อยๆ ตั้งมั่นด้วยเพลงปิด

เมื่อเพิ่มเพลงแทรกและเพลงประกอบฉากเข้าไป วิธีฟังก็จะสามมิติยิ่งขึ้น เพลงแทรกมีความแข็งแกร่งแบบพุ่งเดียว "ตรงนี้เพลงเข้า" เพลงประกอบฉากตรงกันข้ามผลักฉากออกมาโดยไม่โดดเด่นเกินไป เมื่อฟังเปรียบเทียบโดยตระหนักถึงความต่างของนักแสดงหลัก จะเห็นชัดว่าดนตรีแบ่งหน้าที่กันในผลงานเดียวกัน

วิดีโอ No-credit และซาวด์แทร็ก

ต่อไปที่น่าสนใจคือการไปกลับระหว่างวิดีโอ no-credit OP・ED และซาวด์แทร็ก แค่ลบซับไตเติ้ล ก็เห็นว่าภาพอยากนำสายตาไปที่ไหน ช่วงเวลาไหนที่บรรจุท่อนฮุกและจุดสำคัญ อ้างอิงจากเรื่องจริงของวิชาชีพที่เล่าใน "J-WAVE NEWS อธิบาย 89 วินาที" เหตุผลที่เพลงธีมสร้างความประทับใจที่แข็งแกร่งในเวลาสั้นก็เข้าใจได้ง่ายขึ้นเมื่อดูรวมกับภาพ

ใน OP ให้ความสนใจกับช่วงเวลาที่การโจมตีของ intro และการเปลี่ยนฉากเข้ากัน ก็สนุก ED ตรงกันข้าม มีน้ำหนักไม่ใช่การคึกคักแต่ที่วิธีห่อหุ้มอารมณ์ที่ดูจบ เมื่อดูเวอร์ชัน no-credit ก็สังเกตว่าสีหน้าของตัวละคร ความเร็วในการเดิน การรับและปล่อยสีเชื่อมโยงกับวิธีที่เพลงจบ

แล้วเมื่อย้ายไปที่ซาวด์แทร็ก คราวนี้โครงกระดูกของโลกก็ดังขึ้น เพลงประกอบฉากเมื่อฟังคนเดียวอาจรู้สึกธรรมดา แต่ในสถานะที่รู้เนื้อหาหลักแล้วเมื่อเล่น บางครั้งแค่ intro เดียวฉากก็ลอยขึ้น สำหรับผม ซาวด์แทร็กคือทางลัดเพื่อ "กลับไป" ยังผลงาน แค่เสียงแรกสองสามเสียงของเพลงหนึ่ง ถนนยามเย็น ความเงียบก่อนการต่อสู้ ความเงียบที่ตกลงมาระหว่างบทสนทนาก็กลับมาด้วยกัน ถ้าเพลงธีมคือทางเข้าผลงาน เพลงประกอบฉากก็คือทางเดินแห่งความทรงจำ

{{OGP_PRESERVED_1}}

การสอดคล้องของเนื้อเพลง × เรื่องราว

ถ้าอยากลิ้มรสเพลงธีมอีกหนึ่งชั้น ลองวางเนื้อเพลงและธีมของเนื้อหาหลักไว้เคียงกัน วลีที่ฟังดูเป็นนามธรรมในตอนแรกบางครั้งมีความหมายใหม่หลังรู้จักการเลือกและความสัมพันธ์ของตัวละคร — สิ่งนี้ไม่ใช่เรื่องแปลก สิ่งที่ดูเหมือนเพลงรักก็ฟังได้เป็นเพลงเกี่ยวกับการสูญเสีย วลีที่เคยคิดว่าเป็นคำมุ่งมั่นรู้ว่าจริงๆ แล้วเป็นด้านกลับของความลังเล ความน่าสนใจของ anison คือความหมายของเพลงคนเดียวและความหมายของบริบทผลงานกลายเป็นภาพซ้อน

ต่างจากเพลงธีม เมื่อเพลงเข้ามาที่จุดสูงสุดในละคร ความทรงจำของฉากก็ถูกกำหนดทันที เพราะเพลงแทรกไม่ได้เล่นทุกตอน แรงกดดันพิเศษเฉพาะตอนนั้น ฉากนั้นก็เกิดขึ้น

เมื่อดูเนื้อเพลง ไม่จำเป็นต้องอ่านเหมือนหาคำตอบที่ถูก ดีกว่าที่จะยืนยันด้วยความรู้สึกของตัวเองว่า "คำนี้สอดคล้องอย่างไรในฉากนั้น" OP เหมือน trailer ของผลงานทั้งหมด ED เหมือนการจัดระเบียบอารมณ์ เพลงแทรกเหมือนจุดสูงสุดทางอารมณ์ — วิธีที่เนื้อเพลงส่งถึงเปลี่ยนไปในแต่ละอย่าง แม้เป็น "เพลง" เหมือนกันแต่เส้นกรอบความหมายเปลี่ยนตามที่ถูกวาง เมื่อตระหนักถึงความต่างนั้น ระยะห่างระหว่างเพลงธีมและเนื้อหาหลักก็ลดลงอย่างชัดเจน

Playlist และคอนเสิร์ตต่อไป

เมื่อมาถึงตรงนี้ ก็เห็นความสนุกในการขยายจากวิธีฟังตามหน่วยผลงานออกไปอีกหน่อย อย่างหนึ่งคือ playlist ตัวอย่างเช่นเมื่อแยกและเรียงตาม "แค่ OP ของผลงานโปรด" "แค่ ED" "แค่เพลงประกอบฉาก" ก็ชัดเจนขึ้นว่าตัวเองถูกดึงดูดด้วยอะไร ชอบการนำเข้าที่มีแรง ชอบวิธีจบที่จมอยู่กับความรู้สึกหลังจบ หรือจำผลงานด้วยทำนองเพลงประกอบฉากมากกว่าเพลงร้อง เมื่อเรียงข้ามผลงาน แกนของรสนิยมก็ปรากฏขึ้น

อีกอย่างคือวิดีโอคอนเสิร์ต แม้เพลงธีมจะถูกสร้างเป็นทางเข้าของเนื้อหาหลัก แต่ใน live ก็เปลี่ยนเป็นเพลงที่เรียกความทรงจำของผู้ชมกลับมา บรรยากาศของที่นั่งที่เปลี่ยนทันทีที่ intro ดังขึ้นมาจากความแข็งแกร่งของตัวเพลงเองรวมกับการที่ประสบการณ์ผลงานก็ถูกเล่นซ้ำด้วยกัน เมื่อสัมผัส anison live ในฐานะมือใหม่ เริ่มจาก OP หรือ ED ที่คุ้นตาก็จะจับความร้อนที่ต่างจากแผ่นเสียงได้ง่ายขึ้น

เมื่อไปกลับระหว่าง playlist และคอนเสิร์ต ความรู้ที่ได้จากคำอธิบายก็เปลี่ยนเป็นความรู้สึกที่ได้สัมผัส เลือกผลงาน 1 เรื่องแล้วฟัง OP อย่างเดียว ดูความรู้สึกหลังจบด้วย ED ติดตามเพลงประกอบฉากบน soundtrack ให้ความสนใจกับจำนวนตอนที่เพลงแทรกเข้ามา การสะสมนั้น รายการเพลงดังๆ และทางเข้าคอนเสิร์ต ไม่ใช่แค่จุดหมายสำหรับการบริโภค แต่เริ่มทำงานเป็นแผนที่ว่า "ฟังที่ไหนต่อถึงจะสนุกกว่า"

สรุป | ย้ำอีกครั้งว่า "Anison คือหมวดหมู่"

เมื่อเข้าใจ anison ไม่ใช่ชื่อแนวเพลงแต่เป็น หมวดหมู่ที่มองตามว่าผูกพันกับผลงานอย่างไร วิธีได้ยินก็เปลี่ยนไปอีกระดับ OP・ED・เพลงแทรก・เพลงประกอบฉาก ก็เมื่อทับซ้อน "ตำแหน่งที่เล่น" กับ "รับผิดชอบอะไร" ความต่างของหน้าที่แม้ในเพลงเดียวกันก็ชัดเจน เมื่อประวัติศาสตร์ที่เริ่มจาก Astro Boy บริบท TV size คณะกรรมการผลิตและการพัฒนาต่างประเทศเชื่อมต่อเป็นเส้นเดียวกัน ก็สัมผัสได้ว่า anison ไม่ใช่การรวมตัวของเพลงที่กำลังนิยม แต่เป็นเสียงที่ออกแบบประสบการณ์ผลงานเอง หลังอ่านมาถึงตรงนี้แล้ว ผมอยากให้ลองนึกถึง "1 เพลงที่อยากฟังซ้ำ" ก่อน เมื่อเปิดฟังจากนั้น ภาพที่ต่างไปจากเดิมก็จะต้องลอยขึ้นมาอย่างแน่นอน